Uma bola com casquinha, por favor!

Airton Serur dos Santos, 58 anos, trabalha de acordo com as estações do ano. Sua rotina, diga-se, é incomum: “No inverno descanso e no verão trabalho”. Essa variação entre o calor e o frio sacramenta o ofício que o progenitor da família, o pai Adalberto Pinto dos Santos, instituiu há 55 anos, quando abriu o Sorvetes Gaúcho.

Ele não tem do que reclamar. Busca nas recordações o tempo que passou e lembra que já foi pior. “O inverno era muito mais rigoroso. Em algumas épocas, o meu pai fechava as portas durante um ou dois meses porque ninguém queria tomar sorvete”.

Cravada na Praça do Redentor, ao lado do Cemitério Municipal, no tradicional bairro São Francisco, o antigo comércio renomeou o lugar. Hoje, o largo é mais conhecido simplesmente por Praça do Gaúcho - uma homenagem indireta ao pai de Airton, um gaúcho extrovertido de sorriso fácil.

A fama é justificável: “O meu pai era o típico gaúcho bonachão. Eu ia com ele no Mercado Municipal e ele conhecia todo mundo. Andando na Rua XV, as pessoas passavam cumprimentando”, lembra o filho com saudades do pai, que adotou Curitiba como morada durante os seus 73 anos de vida, até descansar em paz no ano de 1999.

Os irmãos de Airton - Leila, Adalberto e Marilis - enveredaram pelo mundo dos sorvetes assim, meio “sem querer querendo”. Em uma determinada época, todos seguiram para carreiras não ligadas diretamente ao legado do pai, mas acabaram se encontrando, mais cedo ou mais tarde, atrás dos antigos balcões. Depois da morte da mãe, Nádia Serur dos Santos, em 2003, são eles que tomam as rédeas da situação: a razão social agora é Irmãos Serur dos Santos.

E lá se vão 50 e tantos anos. Nesse tempo, o Sorvetes Gaúcho viu muita coisa acontecer. A profusão de casas e prédios e a construção da pista de skate mudaram o cenário do ambiente. Airton não quer ficar para trás. Com o tempo, os mais de 30 sabores de sorvetes passaram por algumas mudanças: os de café e iogurte, por exemplo, deram lugar aos sabores comemorativos como panetone e açaí, que vem acompanhado de granola e banana.

A oferta de sabores - todos produzidos por eles - também é regida pela estação do ano. “Damasco voltamos a fazer, que agora é uma época boa”.

Pregada na parede, ao lado da máquina registradora, uma fotografia do pai de Airton rende muitas histórias e lembranças. “Aquela foto é muito antiga, né? Muitas pessoas olham e nem reconhecem. Ele era bonitão naquela época, mas depois chegou a pesar 130 quilos”.

A localização ao lado do cemitério rende muitos clientes ao lugar. Dia de Finados, então, é certeza de muitas vendas. Airton conta que, dias desses, apareceu um senhor lá pelos seus 80 anos que acabava de homenagear um amigo, morto há dez anos. “Até bolo teve. Ele saiu do cemitério, veio aqui, olhou a foto e disse que conheceu o meu pai. Ficamos aqui, batendo um papo. Os antigos clientes sempre reaparecem”, diz Airton.

O menino Adalberto nasceu e cresceu em Itaqui, Rio Grande do Sul. Aos 20 e poucos, veio para Curitiba estudar Química Industrial na Universidade Federal do Paraná. Conheceu Nádia em um chá de engenharia (espécie de baile) e se casou com ela em 1951. Ele se formou, os dois retornaram para a cidade natal dele para tentar a vida em uma fazenda da família. Não deu certo. Ela, que era de Porto Alegre, não se acostumou à vida na roça.

Tiveram filhos. Aqui, a experiência da faculdade não vingou e o casal saltou sem paraquedas para o que a vida poderia oferecer. Compraram uma lotação, mas não era exatamente o tipo de trabalho que os deixava felizes. Um dia, Adalberto viu o ponto, a dita casa, para alugar e arriscou. Deu certo.

Mudaram-se com a família toda, o comércio tinha nos fundos uma casa que serviu de morada. Na frente, o Bar, Mercearia e Sorveteria do Gaúcho. Em 1976 - no mesmo ano em que foi construída a pista de skate - o casal decidiu largar mão da mercearia e do bar e apostou na sorveteria. Balcão, mesas, cadeiras e máquinas datam dessa época.

publicada no jornal O Estado do Paraná
foto: Ciciro Back

Ao som da música curitibana

Luiz Felipe Leprevost e Thiago Chaves gostam de encontros. Se for naquele esquema de festa cheia de amigos, melhor ainda. Essa característica comum foi o que levou o primeiro, poeta, músico e dramaturgo a topar com o segundo, músico e compositor. No momento em que os interesses se encontravam, apareciam os primeiros sinais do que se tornaria uma parceria.

Thiago relembra o momento: “Ele me passou uma letra pra musicar e percebemos que a harmonia acontecia”. A canção, Sonâmbulo, conta a história de um cara que está enfrentando mal a relação com o universo underground. A “letra triste”, conta Leprevost, é consequência do modo como o clima do inverno reverberava dentro deles. A temperatura refletiu, pontualmente, nas composições produzidas a quatro mãos e que, agora estão prontas para serem ouvidas.

Este é um momento que aflige a maioria dos músicos que desenvolvem trabalhos autorais em Curitiba: afinal, onde tocar? O Wonka Bar, na Rua Trajano Reis, é um desses lugares onde o foco está qualidade musical, privilegiando artistas da cidade. Há cinco anos, o endereço, no bairro São Francisco, reúne músicos, escritores poetas, atores e público em torno de uma mesma vontade.

Interessada no potencial dos artistas da cidade, a proprietária Ieda Godoy abriu as portas do Wonka com a disposição de tornar o endereço um reduto de produção cultural de qualidade. “Desde que abri o bar [em 2005], penso nessa característica, muitas pessoas começaram apresentando seus trabalhos lá”. Ela cita como exemplos o grupo Molungo, Troy Rossilho, Alexandre França, Leo Fressato e o próprio Leprevost. Copacabana Club e Bonde do Rolê são outras bandas que sempre aparecem.

Apostar na produção cultural de Curitiba não é uma novidade, mas a apuração de um universo já conhecido por Ieda - dona do antigo Bar Dromedário (fechado em 2002). “O curitibano sempre teve essa coisa de não se valorizar, mas agora estão se olhando com mais carinho para o trabalho das pessoas. Isso é lindo. É muito emocionante ver esse respeito pelo artista, essa comunhão com o público”.

O sucesso das noites é efeito do criterioso processo de curadoria a que a proprietária se dedica. “Sempre que tem algum trabalho próprio eu me interesso em conhecer. Tenho alguns critérios para selecionar e fico felicíssima quando vejo as coisas acontecerem”. Ela cita como exemplos o Copacabana Club e o Bonde do Rolê, bandas que se criaram dentro do Wonka e hoje ganharam o País.

No palco

O show iria começar às 23 horas, mas às 19 horas Leprevost e Thiago já ensaiavam o trabalho que foi apresentado na última noite de quarta-feira no projeto Homens de ferro. Um intervalo foi o tempo necessário para o papo se dirigir aos espaços que tornam possível esse trabalho.

Thiago ressalta que em lugares assim a música é expressão artística e não somente entretenimento. “Queremos mostrar o movimento. Os compositores necessitam desses espaços, onde não precisam de editais para tocar a sua música”. Leprevost completa: “Tem uma grande rede de pessoas conectadas na produção artística. A demanda existe. Queremos dialogar com a platéia com o interesse mútuo de expansão dos sentidos por meio da arte”.

Essa rede que interliga os artistas da cidade certamente contribui com a disseminação da música partindo do desejo de expressão autêntica. Em sintonia de pensamento e vontades, os parceiros Uyara Torrente (A Banda Mais Bonita da Cidade) e Raphael Moraes (Nuvens) foram convidados a incrementar o show no porão do Wonka.

O repertório, inspirado pelo inverno, desenhou um clima favorável às letras mais melancólicas, incluindo as três inéditas Pó, pó, pó; Mi, mi, mi e Assobiando apelo. A primeira, com letra e música de Leprevost, é um pequeno poema declamado com o violão no colo. Mi, mi, mi, uma parceria com Rodrigo Lemos e Ligia Oliveira, emergiu em um desses encontros, sublinha Leprevost, onde em “90% dos casos surgem canções”. Já Assobiando apelo é uma letra escrita há tempos que ganhou agora o acompanhamento da guitarra de Thiago. “É a história de um cara que está triste e as pessoas passam a não notá-lo mais. Ele foi se apagando e assobia essa melodia”, explica o autor.

publicada no jornal O Estado do Paraná
foto: Olívia D’Agnoluzzo

Intimidade superficial

Para o poeta Haroldo de Campos, a tradução de textos criativos será sempre uma recriação. Cândida Monte, Neto Machado, Eduardo Simões e Talita Dallmann se valem dessa premissa quando se apropriam da obra do escritor Valêncio Xavier na concepção da peça Engarrafados.

O trabalho, contemplado pelo Prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz, estreou ontem e permanece em cartaz até o dia 10 de outubro no mini-auditório do Teatro Guaíra.

Antes de fazer uma adaptação do trabalho de Xavier, a intenção foi inscrever o trabalho do escritor em um “fazer de novo”, onde a ideia principal é pensar a cena a partir de conceitos empregados por ele.

“Nossa busca não era por encenar a obra, mas perceber como ele se apropria dos elementos para dar outro sentido a eles, trabalhar com a tradução intersemiótica”, diz Neto Machado, que assina a direção ao lado de Cândida Monte.

A peça reúne as possibilidades de transposição do texto em imagem e brinca com a materialidade da palavra e suas propriedades sonoras e imagéticas. Em seus livros e filmes, o escritor mantém uma linguagem própria e bastante característica por seu hibridismo estético e pela mistura entre verbal, não-verbal e uma colagem de imagens e informações que mesclam realidade e ficção.

Influenciados pelo interesse na linguagem cinematográfica despertada pelo autor, outra referência presente na montagem é a obra do cineasta francês Jean-Luc Godard. No palco, a referência é percebida no jogo estabelecido entre ator, personagem e público. “A dupla é sempre presente nos filmes de Godard, reflete a ideia de cumplicidade, de pessoas que criam uma intimidade”, conta Neto.

A dupla, vivida por Eduardo Simões e Talita Dallmann, estabelece uma relação instantânea: eles não se conhecem, mas decidem fazer um trato e criam uma intimidade do superficial.

“Não é o drama, não é nada pesado. É aquela liberdade do dia-a-dia, escovar os dentes na frente do outro, não se preocupar em dizer bobagens, não ter censura entre um e outro”, o diretor completa, explicando que o pacto avança sobre o público, que se conhece simultaneamente.

A atmosfera criada pelo diretor francês ainda é referenciada no palco através de filtros distintos de filmagem, alterando diretamente a maneira como a cena é vista.

Filtros de cor e trocas de roupas entre os personagens concretizam esse conceito. Nesse processo também se destaca a importância da organização dos elementos em um contexto dramatúrgico, uma disposição sutil, que quase oculta a importância da ordem que se estabelece.

Trajeto

A primeira faísca de onde surgiu a ideia para a concepção de Engarrafados veio em consequência de um projeto sobre o poeta Manoel de Barros. A pesquisa resultou na peça Descoisas, pré-coisas e, no máximo, coisas, que estreou em 2006.

Com direção de Cândida Monte e com os atores Luiz Bertazzo e Talita Dallmann, a montagem sublinhava a potência imagética dos textos ao manter o foco sobre o raciocínio do poeta.

O processo de pesquisa de Engarrafados teve início em 2008 e incluiu pesquisas em filmes, textos e trabalhos acadêmicos sobre Valêncio. A primeira montagem com o nome de Manual de instruções para um homem engarrafado estreou em 2009 e participou da Mostra Cena Breve.

Para Neto, esse período foi fundamental para olhar o trabalho com mais distanciamento. “Queríamos repensar a peça para saber o que faria sentido dizermos hoje”.

Serviço

Engarrafados. Em cartaz até 10 de outubro, no mini-auditório do Teatro Guaíra (Rua Amintas de Barros, s/n.º, Centro). Quarta a domingo, às 20h. Ingressos: R$10. Telefone: (41) 3304-7982. Não recomendado para menores de 14 anos.

foto Alessandra Haro

Uma viagem pelo imaginário grego

Há dois anos, desde que foi convidado por Nena Inoue para dirigir uma leitura do texto Metaformose - Uma viagem pelo imaginário grego, de Paulo Leminski, o diretor Edson Bueno vem atravessando os dias movido pela vontade em levar a obra aos palcos.

O que o atraiu foi a idéia dinâmica de mutação e a aproximação com a experiência individual de cada um que Leminski procura recortar em sua fabulação dos mitos gregos.

Transportado para o palco, a montagem recebeu o título Metaformose Leminski: reflexões de um herói que não quer virar pedra, acrescentando mais um capítulo a uma trajetória onde os grandes escritores, mais do que venerados em suas formas originais, ganham novas leituras. A estréia é nesta quarta-feira, no Guairinha.

Durante os ensaios, sentimentos e experiências dos atores foram colocados em contato com a literatura de Leminski e com os mitos representados na montagem: Édipo, Medusa, Eco, Narciso e Afrodite.

Fugindo da lógica linear, a peça busca uma comunicação que transcenda o imediatismo do consciente para se inscrever nas camadas da imaginação. "A coisa que o Leminski mais valorizava é o que a mitologia nos dá como possibilidade de imaginação. A finalidade da mitologia é essa, a de abrir a imaginação", conta Edson Bueno.

Ele acredita que a proximidade com questões individuais inerentes a todos estabelece uma conexão proveitosa. "É uma reflexão sobre o impacto que a mitologia tem dentro na gente. Mesmo que a pessoa não conheça nada sobre o assunto, ela é movida por Édipo, Medusa, Miniaturo".

Processo criativo

A própria essência heterogênea do texto, revela o diretor, abriu caminhos para o processo mais colaborativo que ele já experimentou até então. "Seria pouco leminskiano eu montar o texto como estava na minha cabeça. Tinha que abrir a porta da percepção do elenco, pra que eles também se poetizassem, se manifestassem, abrissem o coração", diz o diretor.

Como toda a experiência nova, o processo onde todos participam da criação foi incorporado com maior ênfase pelos integrantes do Grupo Delírio neste trabalho. "Teve muito erro, teve muita batida de cara na porta, a gente foi e voltou muitas vezes. Muitas coisas propusemos e depois desistimos. O espetáculo sempre vai se transformando".

Resultante de um exercício de liberdade cênica, o trabalho foi concebido mantendo o foco na palavra. Na peça, a obra do poeta se configura em uma representação contemporânea sobre a mitologia.

"O que eu acho que tem de mais belo no Leminski é a sua literatura, a forma como ele escrevia, como ele trabalhava com as palavras. Elas não são só significados, são sons, sonoridade. A alma desse espetáculo é a palavra", salienta o encenador.

Grandes escritores

Nos últimos anos, o Grupo Delírio tem focado a seu trabalho tomando como base a palavra de grandes escritores como Machado de Assis, Fernando Pessoa, Edgar Allan Poe e Franz Kafka.

Há cinco anos, em Capitu -Memória editada - uma adaptação da obra Dom Casmurro de Machado de Assis - o diretor reconta a história machadiana através da ótica de Capitu, a personagem feminina do romance.

O escritor norte-americano Edgar Allan Poe foi representado no palco na montagem de Projeto poe: o corvo, em 2006. O poema O corvo e os contos O gato preto e A queda da casa de Usher serviram de base para a dramaturgia.

Em 2008, uma releitura do Oitavo poema do guardador de rebanhos, de Fernando Pessoa resultou na peça Evangelho de São Mateus, marcada pela quebra da quarta-parede. O espetáculo coloca a criatura humana em primeiro plano enquanto rituais milenares como o de fazer o pão, comer e beber o vinho são celebrados.

No ano passado, o grupo se encontrou com o universo do escritor Franz Kafka na montagem Kafka - Escrever é um sono mais profundo do que a morte. A peça faz alusões a obras como O processo para adentrar na infância sombria e atormentada do pequeno Franz Kafka.

Serviço

Metaformose Leminski: reflexões de um herói que não quer virar pedra. De 15 a 26 de setembro, no Auditório Salvador de Ferrante -Guairinha (Rua Quinze de Novembro, s/n.º, Centro). De quarta-feira à sábado às 20h e domingo às 19h. Ingressos: R$ 20 e R$ 10 (meia-entrada).

O ano de Angela Ro Ro

2010 foi um ano de dupla comemoração para Angela Ro Ro: aos 60 anos e 30 de carreira, ela renuncia os excessos envolvendo drogas e álcool e busca saúde, paz, amor e dinheiro "para fazer arte e amor a vida inteira". O seu canto sem artifícios, formado mais por instinto do que técnica, se alia à personalidade potente de uma das maiores cantoras e compositoras da música brasileira.

O primeiro álbum, intitulado Angela Ro Ro, veio em 1979 e já lhe rendeu o título de "a sensação do ano" em meio aos críticos da época. Ainda nesse ano, Maria Bethânia gravou sua composição Gota de sangue no LP Mel, a primeira a ser registrada por outro artista.

Dessas três décadas dedicadas à música, emergiram 11 discos -o último uma compilação ao vivo gravado em 2006 - e um DVD. Neles, estão registrados clássicos como Amor, meu grande amor (gravado também pelo Barão Vermelho), Não há cabeça e Raiado de amor.

O Estado do Paraná: Como foi trabalhar no período em que você estava no auge de sua crise, nos anos 80 e 90?

Angela Ro Ro: Passei por crises de obesidade, generosidade, paciência, luto de meus pais, parentes e amigos e a dor maior, que é a crise mundial que a todos pertencemos. Sou eu que estou respondendo, portanto, trabalhar em período de qualquer crise fica exposta uma dificuldade maior ao exercer seu ofício.

O Estado: Nesta época, como era a sua relação com as gravadoras?

Angela: Na década de 80, quando comecei a gravar meu trabalho musical aqui no Brasil, foi muito produtivo pois estava contratada pela Polygram, hoje Universal, o que me rendeu meia dúzia de discos, que desde o primeiro já havia me dado a sorte da consagração, público e crítica, como cantora e compositora de grande qualidade. E na década de 90 mesmo passando por dificuldades enormes pessoais, fiz um maravilhoso disco Nosso amor ao armagedon pela Som Livre, co produzido por mim e por Ezequiel Neves, tive a oportunidade de gravar várias faixas pela Lumiar, de Almir Chediak, para diversos SongBooks de Chico Buarque a Braguinha, inclusive tendo a honra de ser premiada pelo jornal Folha de São Paulo como melhor intérprete na música Futuros amantes de Chico Buarque. Assim foi....

O Estado: O Ruy Castro escreveu no livro Ela é carioca, que você estaria "no poder", se tivesse investido na música metade da energia investida em confusões. O que você acha das afirmações?

Angela: Adoro o Ruy Castro! Realmente passei minha mocidade sem me engajar na luta da ganância pelo poder. Mas é uma excelente idéia, agora que mais madura, reverter essa situação politicamente.

O Estado: Qual o melhor elogio e a pior crítica que já recebeu?

Angela: Minha mãe, Conceição, sempre me cobriu dos melhores elogios. Já que sou filha única, mamãe dizia que apesar de qualquer merda que eu fizesse em minha vida, deveria eternamente saber a pessoa maravilhosa e honesta que sou. A pior crítica deve ter sido qualquer elogio falso.

O Estado: O que te inspira a compor?

Angela: Qualquer coisa, sentimento, natureza.

O Estado: Quais das suas músicas você considera mais especiais. Por que?

Angela: Todas de uma certa forma são especiais, como um filho, mas é claro que existem Fogueiras, Gotas de sangue....

O Estado: Que formas de incentivo e investimento você acha que faltam no meio musical atualmente?

Angela: Grana em direção ao talento pois é sordidamente assistir a miséria de profissionais competentes, artistas, gênios.

O Estado: Você acabou de completar 30 anos de carreira. Como analisa a sua trajetória musical nesse período?

Angela: Sou uma pessoa agradecida pela vida ter me dado o dom do verso, reverso da dor da vida. É genial saber fabricar arte.

O Estado: Como foi ter sido convidada para apresentar o programa Escândalo, do Canal Brasil? O que essa experiência rendeu a você?

Angela: Foi um barato, o pessoal do Canal Brasil me acolheu e me ensinou muita coisa boa. Foi uma experiência única o programa Escândalo. Volto a qualquer hora......

O Estado: Quais foram as suas últimas descobertas musicais?

Angela: Quando fui convidada, por Marcelo Fróes, produtor aqui do Rio, para gravar o disco Mrs. Lennon, um CD só de cantoras com canções da Yoko Ono, descobri um lado surpreendente na composição das músicas da tão polêmica viúva de John Lennon.

O Estado: Que cantoras mais admira e porque?

Angela: Billie Holiday e Elza Soares pelas mesmas razões: a coragem, a humildade, a ousadia e o dom. Maria Bethânia, Gal Costa, Alaíde Costa, Alcione e Ana Carolina, pela beleza do canto, revolução comportamental, sensibilidade e inteligência.

O Estado: Quais os seus próximos planos?

Angela: Ter muita saúde, paz, amor e dinheiro para fazer arte e amor a vida inteira.

Publicado no jornal O Estado do Paraná.

A criação de Zaqueu

O Teatro Paiol, árvores e ruas de paralelepípedo compõe o ambiente que cerca a Rua Almirante Barroso, no bairro Rebouças, em Curitiba. Mesmo próxima do centro, a tranquilidade da via harmoniza com a arquitetura antiga da casa bege, lugar onde se concentram as atividades do Grupo Obragem de Teatro durante as manhãs da semana.

Na entrada, a parede branca destaca o cartaz que lista as atividades realizadas no projeto Dossiê Buchner - pesquisa e montagem, contemplado com o Prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz 2009.

O projeto, realizado ao longo de oito meses, culminou na montagem da peça Zaqueu, da qual pude acompanhar um ensaio há mais ou menos dez dias. A ansiedade do grupo agora é para estrear, amanhã, no Espaço Dois. Neste novo trabalho, os atores revezam a interpretação de personagens e mostram os procedimentos adotados para a criação.

Voltando ao dia do ensaio: a sala grande com que nos deparamos logo ao abrir a porta é o estúdio: testemunha do envolvimento com que os seis integrantes encaram o processo criativo.

“Pode sentar aqui”, Olga Nenevê, a diretora, oferece uma almofada e uma mantinha (o dia está frio) para que a acomodação seja confortável. A Edith de Camargo, responsável pela trilha sonora, já está sentada com caneta e bloquinho a postos e os atores se preparam para dar a passada.

Olga é casada com o ator Eduardo Giacomini e, juntos, eles compartilham a casa - cozinha, quarto, sala, banheiro, varanda e quintal - com os outros quatro atores da companhia: Elenize Dezgeniski + Fernando de Proença + Ronie Rodrigues + Vanessa Vieira. A morada ainda abriga os gatos Chimu e Melie.

Sozinho, Fernando de Proença entra em cena carregando casacos em um dos braços, caminha devagar pelo espaço retangular e, cuidadosamente, dispõe as vestes no chão em cada canto da sala forrada com linóleo.

Fala: “Nota de esclarecimento: estou confuso e inadequadamente sensível esta noite. De todas as minhas auto-representações nenhuma me ocorre agora. O fato é que olhei imagens que revelaram pedaços meus.”

Neste momento ele é Zaqueu, o filho, em outros encarna Angélica, a mãe. Na busca de uma satisfação inalcançável, eles se mostram incapazes de superar o vazio de suas vidas e acabam por perderem-se um ao outro e a si mesmos.

A brincadeira envolvendo o ator com o personagem e a experiência do revezamento de um pelo outro é compartilhada com os outros atores, criando várias camadas de representação.

“As trocas revelam os diferentes modos com que cada um atua. Não queríamos fechar os personagens em um só recurso, mas dar a ele algumas características que unissem essa figura”, diz Olga. “Engraçado essa palavra “fingem’, porque a coisa aqui é, no fundo, um fingimento”, diz uma das falas de Angélica, a mãe.

Olga retoma: “O Zaqueu é a metáfora de um corpo marionete. Fala sobre a relação do ator com o personagem”. Para os atores, tudo se transfigura em um posicionamento muito particular em cena.

“A experiência nos fez pensar no modo como construímos os personagens. O olhar externo nos fez pensar em como queremos falar sobre encenação”, contribui Elenize.

Com Zaqueu, a terceira peça de uma trilogia, o grupo aprofunda sua pesquisa sobre a morte e sobre as questões da representação, iniciadas com as peças Passos, de 2008 e O inventário de Nada Benjamim, de 2009.

Criada a partir da seleção de notícias de jornal, a peça apresenta um retrato sensível da nossa sociedade e retrata a vida privada atravessada pela violência do comportamento social.

A junção das histórias se desdobrou em imagens e diálogos que sugerem uma percepção mais afetiva de um cotidiano cruel que permanece sufocado em páginas policiais. A busca é por aprofundar questões dessa realidade e investigar a sua tridimensionalidade.

“É um tema bem difícil de trazer para o teatro e é impressionante como vocês conseguiram dar um acabamento com tantos elementos diferentes. É um projeto muito coerente”, opina Edith, musicista que já trabalhou em muitas peças do grupo.

Ela vêm trabalhando desde o começo do projeto com as aulas de canto, que possibilitariam aos atores cantarem em cena, uma vontade antiga da diretora que foi concretizada agora.

“A transposição da palavra escrita para a falada em busca de sonoridade originais apareceu em muitos trabalhos. Mas o canto nunca chegou de forma tão acabada, vinha mais como uma sugestão.” Para Olga, o canto chega para distanciar o olhar da crueza da cena, é “um salto poético no meio do caos.”

A conversa que tivemos ao final da peça sublinhou como a percepção do cotidiano enfrenta obstáculos que atrofiam as subjetividades no entendimento do que ocorre com o outro.

Qual é a fragilidade de uma mãe que precisa acorrentar o filho viciado em crack dentro de casa? Como uma mulher desapareceu no meio do centro da cidade sem ninguém ter visto?

Serviço

Zaqueu.Teatro Espaço Dois - Rua Comendador Macedo, 431.De 27 de agosto a 12 de setembro. De quinta a sábado às 21h e domingo às 19h.Ingresso: R$ 10,00 (inteira).

FOTO Elenize Dezgeniski
publicado no jornal O Estado do Paraná.

Um multiartista à procura de simplicidade

Parece que até o número da barraca foi escolhido especialmente pra ele: "51, uma boa idéia!", diz Hélio Leites, confiando que não se trata de uma coincidência o lugar que ocupa na feirinha do Largo da Ordem todas as manhãs de domingo. Contrariando a correria delirante do típico ponto turístico de Curitiba, o artista enxerga beleza em cada detalhe ao seu redor.

Hélio é um criador de múltiplas artes: esculturas minimalistas, performance, poesia, teatro e contação de histórias. Um micro mundo feito de "personagens" de palitos de fósforos, botões, bonés e latas de sardinhas.

O "Rei do botão" é um contador de histórias e se vale dessa sua capacidade de imaginar para criar metáforas em lugar de descrever as coisas com rigor e precisão.

A movimentação na sua barraca não cessa - o que chama a atenção à primeira vista é a beleza das obras, ou "inutensílios" (como ele mesmo gosta de chamar). Depois de se aproximar e ficar por, ao menos meio minuto, somos envolvidos pelas suas palavras e causos sobre as coisas do mundo. "Todo o esforço recompensa, às vezes não é com dinheiro, mas com um lindo céu azul", diz, olhando para cima.

Aos que chegam, ele presenteia com um botão, "mas não é botão de roupa, que serve para juntar duas partes de tecido. É um botão que tem a função de unir as pessoas", esclarece o artista. E também o formato não lembra o artefato tradicional, o micro botão é um pequeno pedaço de papel adesivo com desenhos que lembram um amuleto.

Tem gente que diz que dá sorte, outros guardam pela delicadeza do gesto ou pelos desenhos, como o do poeta Fernando Pessoa ou do trabalho Marinhas - Arqueologia da morte, do fotógrafo Orlando Azevedo.

Quase tudo pode servir de base para ele sacar respostas criativas frente ao engessamento dos fatos do dia-a-dia. "Uma vez um cara passou por aqui, me deu um vidro de remédio vazio e perguntou se eu poderia usá-lo para alguma coisa. Daí eu fiz o santo remédio", conta, mostrando o vidrinho com uma mini-escultura de um santo dentro do conta-gotas.

Ainda no setor de "medicamentosos", ele inventou a injeção psicolúdica ou injeção de ânimo recheada com uma miniatura de São Francisco. "Você é maravilhoso", diz um homem que se acumula em meio a tantas pessoas para conhecer o trabalho do artista.

"O Hélio é iluminado, é pura compaixão. E o melhor é que ele nos faz dar boas gargalhadas", diz Christiane Mikoszewski, vizinha de barraca que fabrica sandálias orgânicas.
Arquivo
Todas as manhãs de domingo, artistas e amantes da cultura artesanal se reúnem na feirinha do Largo da Ordem, em Curitiba.

A própria figura dele diz muito sobre essa personalidade singular. O impagável topete grisalho, outro personagem de suas performances, está quase debutando. São 14 anos cultivando o pedaço de cabeleira que, por vezes, fica escondido no boné e, em outras, salta de lá feito uma caixinha-surpresa.

Os feitos do "significador de insignificâncias" adicionam sabedorias poéticas ao cotidiano caótico. Ele é o criador do Museu do Botão, um micro museu itinerante instalado em uma capa cravejada de botões, da ASSINTÃO (Associação Internacional dos Colecionadores de Botão) e é um dos fundadores da Escola de Samba Unidos do Botão.

Outra criação é a Igreja da Salvação pela Graça cujo lema é "Deus é humor!" O hinariador é o músico Carlos Careqa, a ogan é a artista Katia Horn, tendo a "Rainha dos papéis" Efigênia Rolim como madrinha e Hélio como pregador de botão.

O último "culto anual" aconteceu no ano passado e terminou por força das circunstâncias, como explica Hélio: "As pessoas levavam um baque ao descobrir que Deus também é humor, então preferimos encerrar as atividades. Agora pretendemos lançar um CD para que o culto possa ser feito em casa".

Com a sua gentileza, a proposta do artista é ver e mostrar o que mais ninguém percebe, com o humor refinado e os esforçados jogos de palavras. Em um artigo, Paulo Leminski escreveu sobre o artista com essa característica de um homem que não se prende aos padrões estabelecidos: "Moderníssimo, fundindo gesto e performance com o emprego de material reles (perdão meus botões!) e "mail-art', Lete (e a Assintão) vai conduzindo uma das experiências criativas mais importantes que tenho visto por aí, bem mais instigante e original que muitas vernissages de artes plásticas que não vão além do simples artesanato (ou industrianato, em muitos casos...)." Leminski termina o texto com uma irônica profecia: ""Ontem, o botão. Hoje, o assobio. Amanhã, o mundo".

publicado no jornal O Estado do Paraná.